A prolific multidisciplinary artist, Soly Cissé has established himself as one of the most influential figures on the Senegalese artistic scene. Faithful to his philosophy—that of considering life as a game—he weaves a teeming universe where the boundaries between reality and imagination dissipate.
His works, bursting with bright colors, rich textures, and moving compositions, invite a playful and profound exploration of the human experience. For his first participation in the Investec Cape Town Art Fair, alongside the Parisian gallery Marion Chauvy, Soly Cissé reveals the foundations of his work and the traces that he wishes to inscribe in the imagination of future generations.
How does play, which you consider essential to your artistic approach, allow you to push the boundaries of creation and give an ever-renewed meaning to your art?
For me, painting is above all a game, a space of freedom where I can experiment without limits. I have always perceived the act of painting as a quest through a labyrinth made of tradition, modernity, and childhood memories. Each time I find myself facing a blank canvas, all these references resurface spontaneously, nourishing my imagination and guiding my actions. But painting is not simply reproducing or representing, it is above all an exercise in intelligence and sensitivity: you have to know how to play, experiment, push the boundaries of creation to give birth to something new. What fascinates me is the process itself, this constant research that means that the work is never fixed, that it evolves with me.
My relationship with painting has never been academic. I am self-taught, and that is perhaps what allows me not to be locked into pre-established frameworks. I have never been formatted by a school—even if I am a graduate of the Beaux Art of Dakar—and I deeply believe that nothing can replace practice, the reality on the ground, the risk that we take with each brushstroke. It is this freedom that allows me to create worlds from nothing, to invent characters and shapes that come to life on the canvas. My father did not understand this passion and thought that I would earn nothing by being an artist. But for me, the bottom line has always been: as long as I can eat, the rest will follow. What matters is to paint, to research, to discover a new aspect of my art every day.
My philosophy is based on the idea that everything, in the world and in life, is a game. Every morning is a new opportunity, a different day, a blank page to fill. This is what makes the beauty of an artist’s life: this uncertainty that pushes us to go further, to question ourselves, to understand our desires, our dreams, our deep motivations. I believe that the strength of a creator lies in this ability to see the world differently, to transform it, to give it a new reading. Art is a magnet that attracts fragments of life, encounters, memories, materials, and mediums that enrich a story in perpetual construction. I have never imposed limits on myself, nor allowed my identity to be dictated: over time, it is what chooses us, it is shaped through experiences and works.
To create is to find. Picasso understood this well. His genius did not reside only in his technique, but in his outlook, his ability to question the world through his work and to find answers. I find myself in this approach. What interests me is this moment when unexpected shapes appear, figures that disturb me and launch a real inner battle. From there, the game begins: how to tame them? How can we push them further so that they open up new perspectives? It is only by always going further, by daring, that art finds its meaning.
And drawing is the starting point of everything. I have notebooks full of ideas, projects, sketches that capture the moment, materialize my thoughts, and accompany me everywhere. Collage is also part of my creative process, especially when traveling. I like to draw for the person who will follow me on a flight, to offer a fragment of art to a stranger, to make art accessible to everyone. For me, creation should not be elitist, it is an exchange, a bridge between beings.
But above all, I value my independence. I have never agreed to sell my freedom of thought, because it is what allows me to create without constraint, to explore without limits, and to remain faithful to my vision. To be an artist is, above all, to be free.
Art is a magnet that attracts fragments of life, encounters, memories, materials, and mediums that enrich a story in perpetual construction
How do humor and the freedom to explore social codes nourish your artistic approach and allow you to push the limits of creation?
For me, art cannot exist without a form of humor and lightness. A life devoid of joy is a sad life, and we are already burdened enough by the trials of daily life. Humor is what drives us, what allows us to take a step back and provide another reading of the world. In my work, I like to transport people elsewhere, to offer them an escape, a different, sometimes disconcerting vision, where elements of the street, marginal figures, characters at odds with society mingle. Outlaws, outsiders, rebels interest me deeply. An artist, in many ways, evolves on another planet, like the tramp who mocks conventions and rebels. There is something explosive in this posture, and that too is a game.
A man like Jean-Michel Basquiat would perhaps never have been the artist he became without the experiences that shaped him. Art is often born from the necessity, the urgency to say, to make something explode. But paradoxically, success can sometimes extinguish this flame. I often notice that artists produce their most intense works at the start of their career, when the passion still burns without filter, without constraint. With comfort, we risk losing the source, the rage of departure, this hunger for creation that pushes us to surpass ourselves. However, for me, the struggle is a driving force, a state of mind. It makes you want to explode, to give your all. But this fire must never go out. Passion lasts until death.
Creating also means taking risks. He who does not dare to waste does not dare to build. You must not be afraid, you must dare, experiment, always go further. Dissatisfaction is a powerful engine, it pushes us to never rest on our achievements. It’s an eternal journey, a quest that never stops.
In the work Ecosystems that you will present at the Investec Cape Town Art Fair, you invite the viewer into an almost spiritual interaction with the visual and symbolic elements that make up this painting. What message do you want to share with the public?
In Ecosystems, I highlight the deep and inseparable relationship between living beings and nature. We are intimately linked to the plant and animal world, and this connection implies a mutual responsibility: to protect each other. Through this work, I call on younger generations to become aware of the importance of nature and the need to preserve it.
The inspiration comes in particular from the Djola traditions, these healers from southern Senegal who wear a conical headdress and are the guardians of the sacred wood. Their role is to protect nature, just as we must learn to do today. In my composition, the red character symbolises blood, this universal element that unites us all. This shade irresistibly catches the eye, capturing the vital energy that runs through the work.
Snakes are living matter, umbilical cords that float lightly. They illustrate our organic connection with nature, this invisible force that connects us to our environment. In the background, many small silhouettes, inspired by my series The Lost World, evoke the constant presence of others around us. No one is ever truly alone: we are part of a whole, of a large ecosystem where each element has its place.
Nature, omnipresent in my paintings through trees, leaves, and plants, infuses a softness, a form of hospitality. It welcomes us, envelops us, and protects us. Nothing in my works is artificial or superfluous. I seek to get to the essence of Man, to represent him in his purity, without artifice or accessories. “Ecosystems” is a tribute to this original harmony, a call to reconnect with our deep nature.
French Translation
Soly Cissé: L’art au delà de toutes limites
Artiste pluridisciplinaire prolifique, Soly Cissé s’impose comme l’une des figures les plus influentes de la scène artistique sénégalaise. Fidèle à sa philosophie – celle de considérer la vie comme un jeu – il tisse un univers foisonnant où les frontières entre le réel et l’imaginaire se dissipent.
Ses œuvres, éclatantes de couleurs vives, de textures riches et de compositions en mouvement, invitent à une exploration ludique et profonde de l’expérience humaine. Pour sa première participation à l’Investec Cape Town Art Fair, aux côtés de la galerie parisienne Marion Chauvy, Soly Cissé dévoile les fondements de son œuvre et les traces qu’il souhaite inscrire dans l’imaginaire des générations futures.
En quoi le jeu, que vous considérez comme essentiel à votre démarche artistique, vous permet-il de repousser les frontières de la création et de donner un sens toujours renouvelé à votre art ?
Pour moi, la peinture est avant tout un jeu, un espace de liberté où je peux expérimenter sans limite. J’ai toujours perçu l’acte de peindre comme une quête à travers un labyrinthe fait de tradition, de modernité et de souvenirs d’enfance. Chaque fois que je me retrouve face à une toile vierge, toutes ces références ressurgissent spontanément, nourrissant mon imaginaire et guidant mon geste. Mais peindre, ce n’est pas simplement reproduire ou représenter, c’est avant tout un exercice d’intelligence et de sensibilité : il faut savoir jouer, expérimenter, repousser les frontières de la création pour donner naissance à quelque chose de nouveau. Ce qui me fascine, c’est le processus lui-même, cette recherche constante qui fait que l’œuvre n’est jamais figée, qu’elle évolue avec moi.
Mon rapport à la peinture n’a jamais été académique. Je suis autodidacte, et c’est peut-être ce qui me permet de ne pas être enfermé dans des cadres préétablis. Je n’ai jamais été formaté par une école – même si je suis diplômé des Beaux Art de Dakar, et je crois profondément que rien ne peut remplacer la pratique, la réalité du terrain, le risque que l’on prend à chaque coup de pinceau. C’est cette liberté qui me permet de créer des mondes à partir de rien, d’inventer des personnages et des formes qui prennent vie sur la toile. Mon père ne comprenait pas cette passion et pensait que je ne gagnerais rien en étant artiste. Mais pour moi, l’essentiel a toujours été : tant que je peux manger, le reste suivra. Ce qui compte, c’est de peindre, de chercher, de découvrir chaque jour un nouvel aspect de mon art.
Ma philosophie repose sur l’idée que tout, dans le monde et dans la vie, est un jeu. Chaque matin est une nouvelle opportunité, un jour différent, une page blanche à remplir. C’est ce qui fait la beauté de la vie d’un artiste : cette incertitude qui nous pousse à aller plus loin, à nous questionner, à comprendre nos désirs, nos rêves, nos motivations profondes. Je crois que la force d’un créateur réside dans cette capacité à voir le monde autrement, à le transformer, à lui donner une nouvelle lecture. L’art est un aimant qui attire à lui des fragments de vie, des rencontres, des souvenirs, des matières et des médiums qui viennent enrichir une histoire en perpétuelle construction. Je ne me suis jamais imposé de limites, ni laissé dicter mon identité : avec le temps, c’est elle qui nous choisit, elle se façonne au fil des expériences et des œuvres.
Créer, c’est trouver. Picasso l’avait bien compris : son génie ne résidait pas seulement dans sa technique, mais dans son regard, sa capacité à interroger le monde à travers son œuvre et à trouver des réponses. Je me retrouve dans cette approche. Ce qui m’intéresse, c’est ce moment où apparaissent des formes inattendues, des figures qui me troublent et qui lancent un véritable combat intérieur. À partir de là, le jeu commence : comment les apprivoiser ? Comment les pousser plus loin pour qu’elles ouvrent de nouvelles perspectives ? Ce n’est qu’en allant toujours plus loin, en osant, que l’art trouve son sens.
Et le dessin est le point de départ de tout. J’ai des carnets remplis d’idées, de projets, de croquis qui captent l’instant, matérialisent mes pensées et m’accompagnent partout. Le collage aussi fait partie de mon processus créatif, notamment en voyage. J’aime dessiner pour la personne qui me succédera sur un vol, offrir un fragment d’art à un inconnu, rendre l’art accessible à tous. Pour moi, la création ne doit pas être élitiste, elle est un échange, une passerelle entre les êtres.
Mais par-dessus tout, je tiens à mon indépendance. Je n’ai jamais accepté de vendre ma liberté de penser, car c’est elle qui me permet de créer sans contrainte, d’explorer sans limite et de rester fidèle à ma vision. Être artiste, c’est avant tout être libre.
Comment l’humour et la liberté d’exploration des codes sociaux nourrissent-ils votre démarche artistique et vous permettent-ils de repousser les limites de la création ?
Pour moi, l’art ne peut exister sans une forme d’humour et de légèreté. Une vie dépourvue de gaieté est une vie triste, et nous sommes déjà assez accablés par les épreuves du quotidien. L’humour, c’est ce qui nous anime, ce qui nous permet de prendre du recul et d’apporter une autre lecture du monde. Dans mon travail, j’aime transporter les gens ailleurs, leur offrir une échappatoire, une vision différente, parfois déroutante, où se mêlent des éléments de la rue, des figures marginales, des personnages en rupture avec la société. Les hors-la-loi, les marginaux, les révoltés m’intéressent profondément. Un artiste, à bien des égards, évolue sur une autre planète, à l’image du clochard qui se moque des conventions et se rebelle. Il y a quelque chose d’explosif dans cette posture, et cela aussi, c’est un jeu.
Un homme comme Jean-Michel Basquiat n’aurait peut-être jamais été l’artiste qu’il est devenu sans le vécu qui l’a façonné. L’art naît souvent de la nécessité, de l’urgence de dire, de faire éclater quelque chose. Mais paradoxalement, le succès peut parfois éteindre cette flamme. Je remarque souvent que les artistes produisent leurs œuvres les plus intenses en début de carrière, quand la passion brûle encore sans filtre, sans contrainte. Avec le confort, on risque de perdre la source, la rage du départ, cette faim de création qui pousse à se surpasser. Pourtant, pour moi, la galère est un moteur, un état d’esprit. Elle donne envie d’exploser, de tout donner. Mais ce feu ne doit jamais s’éteindre. La passion, c’est jusqu’à la mort.
Créer, c’est aussi prendre des risques. Qui n’ose pas gâcher n’ose pas construire. Il ne faut pas avoir peur, il faut oser, expérimenter, aller toujours plus loin. L’insatisfaction est un moteur puissant, elle nous pousse à ne jamais nous reposer sur nos acquis. C’est un éternel cheminement, une quête qui ne s’arrête jamais.
Dans l’œuvre “Écosystèmes” que vous présenterez à l’Investec Cape Town Art Fair, vous invitez le spectateur à une interaction quasi spirituelle avec les éléments visuels et symboliques qui composent ce tableau. Quel message souhaitez-vous partager avec le public ?
Dans « Écosystèmes », je mets en lumière la relation profonde et indissociable entre les êtres vivants et la nature. Nous sommes intimement liés au monde végétal et animal, et cette connexion implique une responsabilité mutuelle : nous protéger les uns les autres. À travers cette œuvre, j’appelle les jeunes générations à prendre conscience de l’importance de la nature et de la nécessité de la préserver.
L’inspiration vient notamment des traditions Djola, ces guérisseurs du sud du Sénégal qui portent une coiffe conique et sont les gardiens du bois sacré. Leur rôle est de protéger la nature, tout comme nous devons apprendre à le faire aujourd’hui. Dans ma composition, le personnage rouge symbolise le sang, cet élément universel qui nous unit tous. Cette teinte attire irrésistiblement le regard, captant l’énergie vitale qui traverse l’œuvre.
Les serpents, eux, sont des matières vivantes, des cordons ombilicaux qui flottent avec légèreté. Ils illustrent notre lien organique avec la nature, cette force invisible qui nous connecte à notre environnement. En arrière-plan, de nombreuses petites silhouettes, inspirées de ma série « Le Monde Perdu », évoquent la présence constante des autres autour de nous. Personne n’est jamais vraiment seul : nous faisons partie d’un tout, d’un grand écosystème où chaque élément a sa place.
La nature, omniprésente dans mes toiles à travers les arbres, les feuilles et les plantes, insuffle une douceur, une forme d’hospitalité. Elle nous accueille, nous enveloppe et nous protège. Rien dans mes œuvres n’est artificiel ou superflu. Je cherche à aller à l’essence de l’Homme, à le représenter dans sa pureté, sans artifices ni accessoires. « Écosystèmes » est un hommage à cette harmonie originelle, un appel à renouer avec notre nature profonde.
These interviews were conducted with artists participating in the SOLO section of the 2025 Investec Cape Town Art Fair.